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¿Es la moda arte?


la venus

Edith Head fue la primera mujer en convertirse en la diseñadora principal de un estudio.

Como viene siendo habitual en mis artículos, aprovecho este espacio para desbanalizar el mundo de la moda y el vestir y concederle el lugar y valor que para mí realmente tiene. Hoy abordaremos el vestir y la ropa desde el diseño de moda y el arte.


Este pasado mes de febrero, han tenido lugar los desfiles de las colecciones otoño invierno 2021-2022. Mientras analizaba algunas de las colecciones, reflexionaba sobre si los diseñadores, en este tiempo de recesión en el que muchísimas tiendas van a vender la ropa del año anterior que nunca vendieron por el parón mundial, deberían hacer prendas más funcionales y atemporales, (que al parecer va a ser lo más demandado), o si, por el contrario, deberían aprovechar este tiempo en el que las ventas no son el plato fuerte para derrochar toda su creatividad.

La moda juega un papel muy importante en la sociedad, estudiar la historia a través del modo de vestir es una apasionante manera de empaparse de la evolución humana, de la sociedad y de la cultura de cada momento. La historia no necesariamente tiene que ser abordada desde una visión política para entenderla y aprenderla. Si se conoce la historia del vestir y se analiza con el papel sociológico que tiene, se pueden entender la política, la economía y los porqués y paraqués del momento social concreto en el que surgieron, entender los precedentes e incluso las modas actuales y la reinvención de las pasadas. La industria de la moda genera tanto dinero porque conecta con el plano emocional de las personas y con los deseos y anhelos de cada sociedad. Cuando se compra ropa se adquiere algo más que una prenda que cumpla con la funcionalidad que se busca: se compran emociones y sentimientos, formar parte de a un grupo y diferenciarse de otros y un modo de expresarse. Es ahí donde se genera un mensaje y puede que también un concepto.

Aquí se abre otro debate, además de todo esto, ¿es la moda un arte?
Empecemos por definir qué es arte. El arte es una forma de expresión de carácter creativo llevado a cabo por el ser humano para transmitir sus sentimientos, emociones, percepciones y sensaciones, su visión real o imaginaria del mundo y el entorno que le rodea mediante técnicas plásticas, lingüísticas y sonoras entre otras tantas que abarcan hoy en día el concepto de arte. Los seres humanos somos artistas por naturaleza, sin embargo, no tenemos que olvidar que el arte no se refiere solamente a un término estético. Es ahí donde, si no se profundiza en el universo del diseño de moda, se deja fuera del concepto obra de arte que tiene que surgir de la necesidad de provocar emociones en las personas y en la sociedad. El arte también se usa como modo de reivindicación, inconformismo y empatía con los individuos. Puedo ver esta característica en la historia de la moda, cómo cada generación adopta modos /modas de vestir que reivindican su posición en el momento y el lugar en el que viven. Este concepto no queda relegado únicamente a las sociedades desarrolladas y capitalistas en las que se consume ropa por doquier y en las que la figura del diseñador es venerada, sino que podemos detectar esto también tanto en las formas de vestir de tribus actuales y ancestrales. Pero ahí podríamos abrir otro debate -en el que ahora no entraremos- sobre arte y artesanía.

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En 1913, el couturier Paul Poiret declaró con confianza: "Soy artista, no modisto
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Lo que está claro es que ni todo el que pinta es un artista ni todo el que cose es diseñador de moda ni todo el diseño de moda es arte. Aun así, nadie puede negar que en la alta costura y en el diseño fuera del Prêt-à-porter hay verdaderas obras de arte. El gran problema tal vez resida en que normalmente la moda no es vista como arte, sino como prenda funcional para vestir, que puede ser estéticamente agradable.
Por eso, cuando la gente ve las creaciones de los modistos y diseñadores, acostumbra a juzgarlas con un simple “me gusta o no me gusta”, “me lo pondría o no me lo pondría”, no como obras de arte. Estamos educados para ver la ropa como algo para vestirse y mostrarse al mundo, y cuesta desprenderse de esa visión utilitarista y observar las creaciones como esculturas de tela, como cuadros en 3D o como poemas de palabras tejidas, por ejemplo.
Poco a poco cada día el diseño de moda va ocupando más espacio en los museos, los artistas plásticos cuentan con la colaboración de diseñadores de moda para trabajar en conjunto en una obra y se reconoce por galeristas, merchantes y comisarios el lugar del diseño de moda en sus exposiciones. En España contamos con museos destinados al diseño de moda que dejan bastante claro que estas prendas y su construcción trascienden lo cotidiano, cuentan historias, provocan emociones y sentimientos.



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Museo del traje, Madrid.

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La diseñadora Frida Giannini, declaraba que David Bowie es una de sus mayores fuentes de inspiración
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David Bowie entendía la moda como parte de su arte, comprendía su lenguaje y sabía que su impacto y puesta en escena no eran los mismos si no tenía en cuenta el vestuario. Su polifacético y personal imaginario mental creaba universos únicos y revolucionarios siempre para su tiempo, por eso levanta tantas pasiones. En 2013 se inauguró en el Museo Victoria & Albert de Londres una exposición con letras escritas a mano, trajes originales, fotografías y películas, una inmersión en los procesos creativos de uno de los artistas más influyentes de la actualidad. Para muchos artistas y diseñadores es y será una fuente de inspiración inagotable.

Otra gran exposición, a la que tuve el placer de asistir en el 2019 en el museo Thyssen de Madrid dedicada a un diseñador al que admiro profundamente, Cristóbal Balenciaga, deja bastante en evidencia que su trabajo es arte, indiscutiblemente. La emoción y admiración que se sentía al estar delante de aquellas prendas es más que suficiente para justificar que es el diseñador de moda más admirado e influyente de todos los tiempos.
La exposición interconectaba la creación de Cristóbal Balenciaga con la tradición de la pintura española de los siglos XVI y XX.
Las referencias al arte y la cultura española siempre estaban presentes en el trabajo de Balenciaga, con su manera propia de interpretarlo y su estilo propio. A pesar de desarrollar su carrera en París, fue fiel a esta fuente de inspiración, incluso en su periodo más vanguardista, reinterpretando las hechuras históricas y adaptándolas a la modernidad del momento.
Ya no se puede asistir a esta exposición, pero os animo a descubrir su propio museo en Guetaria, su localidad natal, en el País Vasco. Merecen la pena la visita al museo y al entorno en el que se sitúa.

En los años 20, ya podíamos ver la estrecha relación que había entre artistas plásticos y diseñadores de moda. Dos grandes diseñadoras del momento Elsa Schiaparelli y Coco Chanel mantenían una fuerte rivalidad que la prensa alimentaba denominando como “la amiga de los surrealistas” a Schiaparelli y “la amiga de los cubistas” a Chanel.
Chanel decía de los diseños de Schiaparelli que eran “lujo pobre”, sin embargo tal vez basaba sus valores en conceptos más funcionales, como el de la comodidad para vestir a las mujeres sin tener en cuenta que la ropa, como decimos, también puede ser arte.
Schiaparelli, gran amiga de Dalí, con quien colaboró en varios proyectos y cuya iconografía onírica adaptó a sus modelos, trascendía la belleza convencional para concebirla como una forma de expresión y de metamorfosis. Su modo de mezclar la moda con el arte era algo nuevo y revolucionario que fascinaba a la sociedad.
Dior, en su colección para el invierno de 2018 y de nuevo en la colección de invierno 2020, con Maria Grazia Chiuri como directora creativa, presentó colecciones de alta costura inspiradas en el surrealismo. Es un sello identificativo de la casa, también presente en los diseños de los anteriores creativos Raf Simons o John Gallian.

Otro ejemplo de la unión entre el arte y la moda lo tenemos con el diseñador francés Yves Saint Laurent. Gran apasionado del arte que siempre quedaba plasmado en sus creaciones, como el famoso vestido Mondrian inspirado en la corriente artística del Neoplasticismo, propuesta por Piet Mondrian en 1920 y que surge de la búsqueda de un arte que no tuviera elementos accesorios para llegar a la esencia de un lenguaje plástico objetivo reduciéndola a formas geométricas y colores puros para hacerla universal.


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Vestido Yves Saint Laurent 1965 y Composición en rojo, amarillo, azul, blanco y negro, Piet Mondrian 1921


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Según la diseñadora Miuccia Prada: "El diseño de moda es creativo, pero no es un arte".
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Otro diseñador obsesionado con el arte es Marc Jacobs, la mente creativa de la firma Louis Vuitton hasta 2013 y que llevó a cabo acuerdos artísticos para la firma con Urs Fischer, Takashi Murakami, Stephen Sprouse o Yayoi Kusama.
El universo de Kusama ha inspirado a un gran número de diseñadores, en 2012 firmó un contrato de exclusividad con Louis Vuitton. La unión Yayoi Kusama / Louis Vuitton dio lugar a dos colecciones y a un fashion film. También, a raíz del gran éxito de la colaboración, la fundación Louis Vuitton financió una exhibición retrospectiva que recorrió todo el mundo.
Jacob conoció a la artista, que actualmente tiene 92 años, en Tokio en 2006.
En aquel primer encuentro, Kusama le enseñó a Jacobs un bolso Speedy de Vuitton que ella había customizado pintándole lunares encima. Estaba claro que de ahí nacería una fructífera colaboración.  


También la Fundación MAPFRE organizó en 2012 la primera retrospectiva internacional dedicada al diseñador Jean Paul Gaultier, el llamado “enfant terrible” del mundo de la moda. La muestra fue organizada en colaboración con el Museo de Bellas Artes de Montreal (MMFA) y la firma Jean Paul Gaultier, como trabajo de investigación y referencia sobre el artista, su obra, y su influencia en el mundo.
Un amplio recorrido por la carrera del modisto con más de 110 conjuntos de alta costura y prêt-a-porter, creaciones para desfiles de moda, audiovisuales, entrevistas, dibujos e imágenes formaron un conjunto expositivo que reveló las transgresiones y las creaciones más atrevidas de este virtuoso de la moda. Además, obras de Pierre et Gilles, Peter Lindbergh, Inez van Lamsweerde & Vinoodh Matadin, Andy Warhol, Cindy Sherman, Richard Avedon o Mario Testino, evidenciaban su trayectoria más allá del ámbito rigurosamente de la moda.
En la obra de Gaultier, se manifiesta la inspiración de España en sus creaciones y en las numerosas colaboraciones con Pedro Almodóvar, quien cedió bocetos, elementos del proceso creativo y vestuario de películas como La piel que habito, Kika y La mala educación de manera exclusiva para esta exposición.
Por último, no podemos dejar este artículo sin citar a los diseñadores Viktor & Rolff quienes, en 2015, anunciaron que dejaban sus colecciones de Prêt à porter para centrarse en exclusiva en la alta costura. Ese mismo año, en respuesta a la pregunta que abría este artículo ¿es la moda arte? crearon la colección “Wearable Art” en la que las modelos desfilaban en una sala de exposiciones con las paredes totalmente blancas con vestidos “cuadros” que los mismos diseñadores, al terminar el recorrido de la modelo, colgaban en la pared. Una vez colgadas, quedaba claro que eran literalmente obras de arte. En todas sus colecciones de alta costura podemos ver la reivindicación de los modistos como artistas con impresionantes diseños que constituían verdaderas obras de arte andantes.


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Colección alta costura Otoño/Invierno 2015 Viktor & Rolff


Después de todo esto, os invito a ver la moda y la alta costura con una mente abierta, plantearla más allá de un simple bonito, feo, funcional o ponible porque la moda, en muchas ocasiones, es capaz de trascender a la ropa y de elevarse a la categoría de arte.



Publicado el 10/03/2021



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